La muerte de la Virgen de Caravaggio

La obra fue la más escandalosa de la carrera de Caravaggio, y su leyenda se ha visto acrecentada a lo largo de la historia del arte. Los censores de Caravaggio se explayaron en toda clase de críticas y la obra fue instantáneamente rechazada por los clientes. El encargo provenía de la iglesia de Santa María della Scala, de Roma. Se consideró que el tratamiento de la divina figura de la Virgen era poco menos que herético por su falta de respeto. Tan pronto fue rechazada, el embajador de la corte del duque de Mantua, que era nada menos que Rubens, la compró para su señor. Aquí comienzan las leyendas más conocidas: parece ser que Rubens la expuso públicamente durante ocho días, lo que sí fue cierto, aunque sin el talante desafiante que se le suele adjudicar. Este hecho prueba las pasiones que Caravaggio levantaba entre pintores e intelectuales de su época. 

La otra leyenda es la que justifica el rechazo de los religiosos ante la pintura, pues se decía que Caravaggio había tomado como modelo el cadáver de una mujer ahogada en el Tíber (lo cual podía ser consecuencia de un suicidio, un terrible pecado como para servir de modelo a la Virgen).

 Caravaggio pintó una mujer desmadejada, casi flotando sobre el lecho de muerte, con el cabello desordenado, el vientre hinchado (de ahí la hipótesis de la ahogada), las piernas descubiertas sin pudor y la piel verdosa, sin el aura celestial que se atribuía a las figuras sagradas. 
A su alrededor, los discípulos se agrupan en corrillos informales llorando y comentando la muerte de la Madre de Cristo. 
Magdalena llora desconsoladamente con el rostro entre las manos. 

La composición es de una fuerza expresiva muy especial, enfrentando las dos diagonales que forman el cuerpo de María, en el vestido rojo, y el paño del cortinaje en el mismo color. Entre ambos destellos cromáticos se recogen todas las expresiones de dolor y desconsuelo en los rostros y los gestos de los apóstoles. 

Pese a las críticas, Caravaggio realizó un poético retrato de la muerte, en su presencia más cruda entre los seres queridos de la difunta, que apenas pueden reaccionar por su pérdida.

La figura de María es el centro que rige la obra. La figura está tratada con gran realismo, su mano cae sin vida hacia el suelo y su encarnación es pálida y enfermiza.

 Caravaggio representa el tema con gran realismo y alejado de los dogmas de la iglesia, obvia el tema de la ascensión representando tan sólo la muerte de la Virgen. 

La tristeza está contenida, no son figuras excesivamente expresivas de hecho casi todos los personajes ocultan de una u otra manera su rostro.
El ambiente en el que se desarrolla la escena es de lo más humilde. 
La paleta es sencilla con tonalidades pardas en las que tan sólo destaca el rojo brillante de las dos diagonales. La luminosidad tenebrista es la típica de Caravaggio iluminando el tema principal, en este caso la figura de María, y propagándose por el resto del cuadro una profunda oscuridad.

Está realizada al óleo sobre lienzo, hecha en el año 1606, y se conserva actualmente en el Museo del Louvre de París